Articoli con tag: rock italiano

Four By Art


La scena neo-Sixties fiorita in tutto il mondo negli anni ’80 annoverava tra i suoi principali rappresentanti italiani i Four By Art di Milano, scioltisi una trentina di anni fa dopo aver realizzato un 7”EP e due LP poi raccolti (assieme a tre inediti dal vivo) nel CD The Early Years ’82-’86 (Area Pirata, 2008). Come attestato da Live!!!!, disponibile solo in download, dallo scorso decennio il gruppo è tornato in pista e suona tuttora, benché con un solo superstite della formazione storica (il co-fondatore Filippo Boniello) anche a causa della prematura scomparsa di due vecchi membri. Da pochissimi mesi è stato inoltre pubblicato – sempre da Area Pirata – Inner Sounds, nuovo CD che fa rivivere con ottima verve il sound e lo spirito del gruppo dell’epoca: tredici episodi, fra i quali le cover di Allora mi ricordo dei New Trolls (ovviamente in italiano: un esperimento che la band non aveva mai tentato, quantomeno su disco) e Sorry degli Easybeats (ma la ripresero pure Three O’Clock).
Negli Ottanta non recensii il 7” d’esordio dei Four By Art, perché non riuscii a entrarne in possesso in tempo utile. Mi rifeci però con i due LP, dei quali mi occupai sul Mucchio, e rileggendo a distanza di tanto tempo quanto scritto del primo, mi scappa un sorriso. Il gruppo era sponsorizzato dal collega (allora Rockerilla, in seguito Rumore) e poi anche amico Claudio Sorge, con il quale dai rispettivi giornali non ci risparmiavamo reciproche frecciatine e a volte anche insulti. Eravamo come due galli in un pollaio – io galletto, in quanto più giovane di sette anni – e quindi in contrasto per una sorta di leadership, ma il discorso è lungo e magari un giorno gli dedicherò un intero post, perché è una storia curiosa e, con il senno di poi, divertente. Per il momento, rimango in tema e recupero le recensioni – ingenuissime e pertanto “tenere” – di Four By Art ed Everybody’s An Artist… With Four By Art.

Four By Art
(Electric Eye)
Dopo le avvisaglie dell’antologia Eighties Colours, la scena neo-psichedelica italiana comincia a dare frutti concreti sempre sotto la direzione di Don Claudio, padrino molto geloso del suo ruolo di leader indiscusso (e indiscutibile) del movimento. Primo gruppo di quella fortunata raccolta a giungere al traguardo dell’album in proprio è Four By Art, quintetto lombardo proveniente dall’area Mod e recentemente convertitosi a una filosofia sonora beat-psichedelica ricca di attrattive, il cui principale limite risiede in una dipendenza forse eccessiva da schemi Sixties; la band, comunque, sembra avere la capacità di modernizzare il proprio sound. e, soprattutto, la volontà di farlo.
Four By Art è un disco di notevole caratura, assai ispirato e valorizzato da parecchie composizioni di grande fascino: la traccia. come accennato, è quella di un beat corposo e avvolgente in cui chitarra e organo, efficacemente contrappuntati da un convincente apparato canoro e a tratti da un’azzeccatissima armonica, si elevano su una sezione ritmica potente e incisiva; una ricetta non rivoluzionaria, quindi (volendo ricorrere a paragoni, si potrebbe citare i Prisoners, o magari i Fleshtones), ma sempre in grado di solleticare i palati più fini. Giudizio ampiamente positivo, dunque, per una band assai abile; peccato solo che questo 33 giri, approntato in tempi relativamente brevi e con supporti tecnici un po’ insufficienti, non riesca a rappresentare appieno le doti di un ensemble che, con un adeguato lavoro di produzione artistica e magari un budget più consistente, sarebbe probabilmente assurto a livelli di assoluta eccellenza. Si fosse dedicata maggior cura alla dinamica dei suoni e ai mixaggi, sovraintendendo poi in modo più accorto alle registrazioni, sicuramente staremmo parlando di “piccolo capolavoro” invece che di “album più che valido”. Bravi, comunque, ai Four By Art, e bravo anche a Don Claudio (se lo merita, dopotutto). Baciamo le mani.
Tratto da Il Mucchio Selvaggio n.92 del settembre 1985

Everybody’s An Artist…
(Electric Eye)
Constatare la costante crescita qualitativa delle proposte di parecchie formazioni italiane è indubbiamente motivo di soddisfazione per chi, contro l’opinione comune, predica da anni la possibilità di una via musicale nostrana finalmente allineata agli standard della produzione rock internazionale; è davvero splendido verificare, giorno dopo giorno, la progressiva maturazione di una scena autoctona sempre più policroma e interessante, e scoprire che qualche volta i bei sogni possono divenire realtà. I milanesi Four By Art, giunti adesso al secondo album, fotografano nitidamente la situazione e offrono l’opportunità di riscontrare la fondatezza della teoria su esposta; partiti con impegno e passione, ma anche con mezzi limitati, nel circuito Mod, i cinque confezionavano un 45 giri tanto grazioso quanto amatoriale per poi affrontare l’esame ben più impegnativo del 33 giri. Four By Art, il disco in questione, peccava un po’ di ingenuità ma sottolineava contemporaneamente il netto passo in avanti compiuto dall’ensemble nella creazione di un sound di derivazione Sixties nel quale erano sintetizzate influenze psichedeliche, beat e mod.
Ora, con Everybody’s An Artist… With Four By Art, la band lombarda dà prova di avere definitivamente superato lo stadio dilettantesco per approdare felicemente alle rive di una invidiabile maturità compositiva e interpretativa; attraverso nove canzoni, alcune delle quali eccellenti, i Four By Art dimostrano la freschezza, la validità strutturale e il feeling della loro musica, che ha mantenuto le sue direttive di base arricchendo l’insieme di elementi direttamente estratti dalle tradizioni R&B e r’n’r. Insomma, un recupero creativo in piena regola, condotto con umiltà e devozione ma anche con piena consapevolezza delle proprie capacità tecniche ed espressive. Il merito dell’ottima riuscita dell’operazione va, in parte, anche alla decisione di avvalersi di uno studio professionale, in grado di garantire ai brani la brillantezza indispensabile per ben figurare: One More Time, The End Of Love, Just Feelin’ Alright o Don’t Mess Without Judas, con i loro vivaci intrecci di chitarra, tastiere (piano e organo), ritmi e voci, avvalorano tale tesi, contribuendo a rendere Everybody’s An Artist… un grande album rock per tutti i gusti e tutte le esigenze. It’s a nugget, if you dig it.
Tratto da Il Mucchio Selvaggio n.106 del novembre 1986

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Mauro Ottolini (e Tenco)

Sono sempre attento ai progetti legati a Luigi Tenco, uno di quegli artisti che inevitabilmente chiamano il pensiero “chissà cosa avrebbe fatto se non fosse andato via così presto”, e quindi non sono potuto rimanere indifferente a questo doppio CD a lui dedicato da Mauro Ottolini, jazzista atipico e brillante che ha estratto dal cilindro qualcosa di davvero speciale. Un disco da non perdere per ogni cultore di Tenco, scomparso da ormai cinquant’anni e mezzo, molto interessante per chiunque apprezzi la canzone d’autore non troppo convenzionale, godibile per tutti.

Tenco – Come ti vedono gli altri
(Azzurra Music)
Da una quindicina d’anni, Mauro Ottolini è uno dei jazzisti italiani più apprezzati, sia per le qualità tecniche (il suo strumento è il trombone, ma è pure compositore, arrangiatore e direttore d’orchestra), sia per l’approccio fantasioso e “irregolare” alla scrittura, alla musica suonata, ai progetti messi in piedi. Non è un purista, insomma, ma neppure uno di quegli sperimentatori che il pubblico non avvezzo alle “ricerche” incontra difficoltà ad ascoltare; lo afferma con chiarezza una ricca discografia in proprio dove la trasversalità va a braccetto con la capacità di incuriosire e con un vivace (ma, a suo modo, serissimo) senso dell’ironia. Continua a leggere

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Claudio Lolli (2017)

Seguo Claudio Lolli dagli anni ’70. Da quando, adolescente, mi imbattei in quel brano-capolavoro chiamato Michel, che mi spinse ad approfondire. Acquistai subito gli LP Aspettando Godot e Un uomo in crisi (non Canzoni di rabbia: quello, vai a capire perché, lo presi parecchio dopo), innamorandomi di questo musicista così affascinante a dispetto di una poetica che, inutile nascondersi, suonava triste, a tratti persino deprimente; ma era (è!) un bel deprimersi, di quelli che ti obbligano a scavare dentro di sé. Non starò qui, adesso, a raccontarvi tutte le tappe della mia personale vicenda lolliana, che molti anni fa – in occasione dell’uscita della riedizione di Ho visto anche degli zingari felici, il suo album più mitico – ebbe come momento indimenticabile una bella intervista che riporto qui. Non posso però fare a meno di riportare quello che ho scritto a proposito dell’ultimo lavoro, davvero molto bello, che ha pure ottenuto la Targa Tenco.

Il grande freddo
(La Tempesta)
Al di là dei riscontri commerciali non proprio eclatanti, che in quarantacinque anni di percorso discografico lo hanno sistematicamente tenuto lontano da classifiche e media non di nicchia, Claudio Lolli è un maestro della nostra canzone d’autore. Uno di quelli naturalmente predisposti a viaggiare “in direzione ostinata e contraria”, per dirla con Fabrizio De André, che si è schierato politicamente e culturalmente, e che per questo si è guadagnato la stima e l’affetto di una platea magari nascosta ma in termini assoluti non esigua. Continua a leggere

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I reduci

Amo da sempre questa splendida (anche se tristemente realista nel raccontare un fallimento) canzone di Gaber-Luporini, che i Gang hanno ripreso nel loro ultimo album “Calibro 77” e della quale è appena uscito il videoclip. Sono onesto, la versione dei Severini – benché bella, e coerente con il resto del disco – non mi convince appieno: secondo me, un testo così richiede una musica più sofferta, o più graffiante, o più ironica. È comunque un bel sentire, e per ampliare il discorso mi sembra sensato proporre anche la cover dello stesso brano realizzata anni fa (per un tributo del “Mucchio Extra”) dagli Spirogi Circus, un progetto di Moreno degli Avvoltoi.

 

 

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Brunori Sas

Se anche volessi non potrei negarlo, perché scripta manent, ma comunque non ho problemi a dirlo di nuovo: almeno all’inizio, diffidavo di Dario Brunori. Mi era anche parecchio simpatico, ma mi sembrava l’ennesimo furbetto che dal mondo cosiddetto alternativo voleva spiccare il balzo verso la “Serie A” e si comportava di conseguenza. Magari avevo pure ragione, eh, ma conta poco. Importa invece ben di più che, con Il cammino di Santiago in taxi, l’artista calabrese abbia impartito alla sua formula una sterzata che ho assai apprezzato, come dimostrano questa videointervista e, pochi mesi fa, questo articolo. Per (Noi siamo) Cantautori, rivista dalla vita purtroppo breve, ho invece scritto questa microrecensione dell’ultimo disco, un brano del quale – La verità – ha vinto la Targa Tenco per la miglior canzone dell’anno. Mi è parso giusto recuperare tutto ciò, perché ieri sera ho assistito al concerto tenuto al “Rock In Roma” da Brunori Sas e… mi sono divertito, sono stato bene e non posso che consigliarlo caldamente a quanti volessero trascorrere un paio d’ore all’insegna dell’entertainment di spessore.

A casa tutto bene
(Picicca)
È tutto perfetto, in questo quarto album (o quinto: dipende da come si considera la colonna sonora È nata una star?) di Dario Brunori: il songwriting accattivante ma non banale, i testi capaci di legare personale e sociale – ascoltare, per credere, L’uomo nero: in tal senso, è una potenziale canzone dell’anno – con linguaggio diretto e assieme ricercato, gli arrangiamenti di misurata ricchezza (l’illuminata produzione è di Taketo Gohara), il senso di autenticità che prorompe da note e parole. Insomma, il naturale ma non scontato punto di (temporaneo) arrivo di un processo di crescita che già con il precedente Vol.3 – Il cammino di Santiago in taxi aveva raggiunto risultati di grande rilievo, e che ora si mostra inequivocabile in dodici episodi baciati da un’ispirazione vivace in bilico fra colto e popolare. Non è ormai più una sorta di Rino Gaetano 2.0, l’artista cosentino: visti anche i cambiamenti nell’approccio canoro, si può semmai rilevare qualche affinità con Daniele Silvestri, ogni tanto Niccolò Fabi, persino Lucio Battisti.
Tratto da (Noi siamo) Cantautori n.3 del gennaio/febbraio 2017

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Vinile n.8

Sul nuovo numero di Vinile, in edicola già da qualche giorno e ancora per alcune settimane (si tratta di un bimestrale), c’è un mio lungo articolo – ben 14 pagine – dedicato agli Afterhours. Il taglio è “sui dischi” e quindi anche “da collezionisti”, con tutte le uscite dal 1987 a oggi (compresi promozionali e stranezze) e le relative quotazioni medie di ciascuna. Mi diverte, per così dire, sottolineare quanto io sia un pessimo “promoter” di me stesso: da nessuna parte ho scritto (o fatto scrivere) che sono l’autore di Senza appartenere a niente mai, la biografia atipica (ma ufficiale) di Manuel Agnelli uscita per Vololibero ormai un anno e nove mesi fa e tuttora acquistabile pressoché ovunque.
Ovviamente, il n.8 di Vinile contiene un sacco di altre cose interessanti, a partire da un articolo sui dischi più rari (e quindi cari, ma non potete immaginare quanto) di Vasco Rossi che mi ha lasciato basito.

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Giancarlo Frigieri

Non so quanto sia corretto definire Giancarlo Frigieri “un mio amico”: abitiamo ad alcune centinaia di chilometri di distanza, non ci frequentiamo, non sappiamo granché delle rispettive questioni personali, non ci sentiamo al telefono e al massimo ogni tanto ci scambiamo qualche email. Però lo stimo e gli voglio bene, tanto da aver recensito quasi per intero la sua discografia; discografia che comprende alcuni titoli con i Joe Leaman, un album da solista in inglese, un altro – sempre in inglese – realizzato assieme ai Mosquitos e sei con testi in italiano, tre autoprodotti e tre editi sotto l’ombrello della Controrecords. Un settimo arriverà a settembre e non potete avere idea di quanto mi siano girate le palle alla scoperta di non essermi occupato – suppongo per distrazione – di quello che al momento è ancora il suo ultimo lavoro, Troppo tardi del 2015, che pure posseggo e che ho ascoltato. Irritato per l’assenza, vi (ri)propongo le recensioni delle precedenti cinque prove corredate di testi nella lingua che fu di Dante, aggiungendo un link a una vera curiosità: una divertente intervista di Gianluca Frigieri a… me. La trovate qui.

L’età della ragione
(autoprodotto)
Sembrerà incredibile ma, nonostante il panorama “alternativo” italiano abbondi di etichette di ogni genere, Giancarlo Frigieri – non proprio l’ultimo arrivato, come testimoniano i suoi numerosi lavori alla guida dei Joe Leaman, da solista e accompagnato dai Mosquitos – non è riuscito a trovarne una interessata a sponsorizzare questo suo debutto con liriche in italiano; incredibile anche perché L’età della ragione, edificato in linea di massima su scarne architetture di chitarra e voce e solo qua e là arricchito dagli interventi di alcuni ospiti, è lavoro di bellezza davvero rara, con il suo intimismo sofferto ma non opprimente che solo in un pezzo su dieci – l’emblematica title track – sfoggia un pur misurato vigore r’n’r. Continua a leggere

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Lino e i Mistoterital

Sinceramente, non pensavo proprio che nel mio archivio di testi potesse esserci qualcosa in grado di stupirmi, ma mi sono dovuto ricredere. Una volta trovato questo articolo, dell’esistenza del quale avevo un vago ricordo, l’ho letto e… non mi sono riconosciuto. Cioè, mi sono riconosciuto in parte, e riflettendoci mi è parso di riconoscere nell’altra parte un Eddy Cilìa meno sofisticato (nel senso migliore del termine, eh) dei suoi abituali standard. Eppure, l’articolo era firmato da me e solo da me, e non essendo mai stato – a differenza di vari colleghi anche molto illustri – uno di quelli che mette il proprio nome sotto un testo del quale non è autore, non sapevo davvero spiegarmelo. Ho allora scritto a Eddy, chiedendogli lumi e ricevendo come risposta un “ottimo articolo, che problema c’è?”; la mia ulteriore replica è stata “problema nessuno, ma a me pare più tuo che mio, non è che l’abbiamo fatto a quattro mani ed è saltata la tua firma o roba del genere?”. Eddy ha così compiuto delle ricerche nel suo archivio di quasi vent’anni fa, trovandovi una stesura parzialmente diversa del pezzo in questione. Sentendoci a voce, siamo quindi arrivati alla spiegazione che segue, senz’altro plausibile ma, appunto, ricostruita colmando secondo logica i “buchi” nelle nostre memorie, un po’ come gli scienziati di Jurassic Park che sostituivano con DNA di rospo le sezioni mancanti del DNA dei dinosauri. Questa la sequenza: avevo programmato un articolo sui Lino e i Mistoterital; non facevo in tempo a dedicarmici a dovere; ho chiesto a lui, l’unico che conoscessi ferrato quanto me (se non di più) sull’argomento, se avesse voglia di buttarmi giù, al volo, una traccia; lui, che di natura è perfezionista persino più di me, me ne ha inviata una fatta benissimo; io sono intervenuto un tot sulla traccia in questione e l’ho pubblicata solo a mio nome perché lui non era ancora rientrato al Mucchio e inserire sul giornale un articolo con la sua firma avrebbe potuto turbare la direzione, viste le burrascose modalità di interruzione del rapporto di un decennio prima. Conoscendoni, è probabile che abbia valutato l’idea di utilizzare uno pseudonimo di fantasia, ma che l’abbia poi esclusa ritenendo che un nome ignoto avrebbe sottratto interesse/autorevolezza al lavoro. Lo so, ho scritto un pippone terrificante, ma tutta la vicenda fa ridere e sono certo che farà ridere anche molti dei miei/nostri più affezionati lettori.
Comunque sia, c’è una ragione precisa per la quale ho voluto riesumare questa retrospettiva di diciotto anni fa a proposito di una band italiana della quale mi ero occupato pure in tempo reale; la ragione è che da qualche mese è disponibile, con il marchio Again, il CD Fischi per nastri: demoz y rarez, contenente ben ventitré brani estratti, appunto, dalle cassette del gruppo, e direi che non è necessario aggiungere altro. Per la cronaca, i due album d’epoca, il primo uscito in formato LP e cassetta e il secondo in LP e CD, non sono mai stati ristampati, ma le edizioni originali sono di norma reperibili a cifre oneste.

Visto il nome con cui decisero di battezzarsi la cosa suona un po’ come una battuta, ma è vero: Lino e i Mistoterital avevano la stoffa dei campioni. E fra un sorriso e una risata di gusto, riascoltando i due album che documentano la storia del gruppo (assieme ad alcuni demo conosciuti e apprezzati solo dai fan della primissima ora), è difficile non avvertire un po’ di tristezza: sembra impossibile, infatti, che queste due dozzine scarse di canzoni non siano diventate famose, e con esse coloro che le interpretarono. L’anello mancante fra gli Skiantos e gli Elio e le Storie Tese, nientemeno, nonché uno dei migliori esempi di beat non revivalistico dello scorso decennio. Continua a leggere

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The End (1983-1985)

La bellezza di trentatré anni fa, nell’ottobre del 1984, recensii il demo di una giovane band di Fano chiamata The End. Proprio la recensione qui fotografata, ripresa molto dopo nel mio libro Noi conquisteremo la luna – Scritti sulla new wave italiana, 1980-1985. Alla luce delle acerbe ma evidenti qualità dei ragazzi, non avrei mai pensato che quel nastro sarebbe rimasto un episodio isolato; anzi, avrei scommesso che di lì a poco sarebbe giunto un disco. Invece, non è andata così, e i The End scomparvero rapidamente dai radar. Tre decenni abbondanti dopo, mi sono deciso a rimediare all’ingiustizia, “costringendoli” a tirar fuori dai cassetti tutto il materiale all’epoca registrato e, assieme, abbiamo assemblato un album di addirittura diciannove tracce, pubblicato in CD – con una bellissima veste grafica e un ricco libretto informativo – dalla sempre ricettiva Spittle Records. Il disco si intitola Tears In My Eyes 1983-1985 ed è reperibile con facilità un po’ ovunque. Se a qualcuno interessa…

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Ritmo Tribale (1988-1990)

Non ricordo se illo tempore avessi recensito i primi due dischi dei Ritmo Tribale, ma non importa: mi pesa il culo a cercare i giornali dove i miei scritti potrebbero trovarsi, e dovrei fare la scansione, e poi la conversione, e chi ne ha voglia? Più semplice recuperare il commento su questa loro ristampa in CD, risalente a quindici anni fa, che a quanto sembra è oggi molto richiesta dai collezionisti, persino più dei vinili originali. Della band milanese è anche disponibile, qui, un’intervista del 1999, realizzata in contemporanea all’uscita di quello che fu il suo ultimo disco.

Bocca chiusa + Kriminale
(BlackOut)
Con un’iniziativa a dir poco sorprendente, vista la scarsa cura che le major riservano di norma al loro catalogo di rock italiano, la BlackOut/Universal ha appena ristampato in un doppio CD (al prezzo un singolo) i primi due album dei Ritmo Tribale, formazione milanese che ha avuto un ruolo di primaria importanza nella storia della musica di casa nostra dimostrando la concreta possibilità di suonare vero rock con liriche in italiano; a puro titolo di esempio, basti pensare che senza il gruppo di Stefano “Edda” Rampoldi, Fabrizio Rioda e Andrea Scaglia (e Alex Marcheschi, e Briegel, e Talia Accardi…) gli Afterhours non avrebbero forse mai abbandonato l’inglese a favore dell’idioma nazionale, con tutte le conseguenze del caso (ve lo immaginate, un mondo senza Hai paura del buio? brrr…). Continua a leggere

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Cheetah Chrome Motherfuckers

I CCM, da Pisa, sono stati una delle più grandi band punk italiane degli anni ’80, come provato da una discografia purtroppo non molto nutrita della quale ho avuto il piacere di scrivere in tempo reale con le sole eccezione del 7”EP d’esordio 400 Fascists del 1981, raro già all’epoca (giuro, non riuscii a procurarmene una copia, se non con notevole ritardo), e dell’epitaffio Live In So.36 del 1987 inciso in concerto a Berlino (al posto della recensione feci però pubblicare un’intervista, non mia e quindi non recuperabile in questa sede). L’intera produzione ufficiale del gruppo, meno il live ma con una mezza dozzina di tracce bonus, è stata ora raccolta in un doppio CD o LP confezionato dalla Area Pirata, corredato di note, foto, testi e memorabilia; si intitola The Furious Era 1979-1987 e… insomma, che ve lo dico a fare?

Permanent Scare
(GDHC)
Sebbene sia in circolazione già da qualche mese, vale lo stesso la pena di soffermarsi su questa cassetta volenterosamente assemblata, 50% ciascuno, dai fiorentini I Refuse It! e dai pisani Cheetah Chrome Motherfuckers. Il nastro costituisce, è bene sottolinearlo, uno dei più validi prodotti punk finora diffusi sul mercato italiano: gli I Refuse It sconvolgono con il loro hardcore “sperimentale” alla Meat Puppets, mentre i Cheetah Chrome Motherfuckers appassionano con un hardcore punk valorizzato da qualche influenza metal e da un canto vagamente alla Darby Crash. Un tape a mio parere eccezionale, che chiunque si definisca amante del punk dovrebbe acquistare immediatamente e, di riflesso, amare alla follia.
Tratto da Il Mucchio Selvaggio n.72 del gennaio 1984
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High Circle (1985-1990)

Attivi dal 1983 al termine del decennio, gli High Circle sono stati il primo gruppo di Roma a ispirarsi al classico hardcore punk più o meno melodico di scuola californiana. Sulla carta avevano insomma quello che occorreva per essere la mia band cittadina preferita, ma i loro dischi – un 7 pollici e due LP, poi in parte raccolti in un CD – avevano sempre, almeno a mio parere, qualche lacuna che gli impediva di ottenere il mio pieno consenso. Credevo di aver recensito proprio tutto, del gruppo, cioè il 7 pollici, i due LP e il CD antologico, e ne sono tuttora convinto, ma il mio scritto a proposito del primo album, pubblicato nel 1987, non sono riuscito a trovarlo, benché abbia sfogliato pagina dopo pagina e più volte ogni rivista nella quale avrei potuto pubblicarlo. Mistero.

6 Track EP
(Contagio)
Pur avendo da tempo abbandonato le recensioni di dischi punk di livello meno che eccellente, ho ritenuto di fare un’eccezione per questo 7 pollici degli High Circle, gruppo romano all’esordio su vinile. Sei brani, quattro dei quali cantati in italiano e uno strumentale, legati a schemi hardcore di stampo statunitense; nulla di particolarmente innovativo, dunque, in un dischetto non disprezzabile anche se un po’ scontato.
Tratto da Il Mucchio Selvaggio n.72 del settembre 1985 Continua a leggere

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Growing Concern (1998)

Pur avendoli visti più volte dal vivo, fino al 1998 non ho curiosamente mai recensito i Growing Concern, la band più importante dell’hardcore punk romano degli anni ’90. Quindi, niente mie cronache in tempo reale sul 7”EP What We Say (Break Even Point, 1991) e sul 12”EP Disconnection (SOA, 1992) – raccolti, con l’aggiunta di due bonus, nel CD Disconnection Plus (Banda Bonnot, 1993) – e nemmeno sull’album Seasons Of War (Banda Bonnot/SOA, 1994), che concluse il primo ciclo della carriera dell’ensemble. Il mio unico articolo d’epoca è dunque quello a proposito del mini-CD Never Fades Away, che contro ogni previsione suggellò la gloriosa storia dei ragazzi.

Never Fades Away
(SOA)
Nell’ambito dell’hardcore punk italiano, il nome Growing Concern ha il peso di un marchio D.O.C.: un marchio che mantiene il suo valore anche se dell’organico non fa più parte il cantante Paolo Piccini, personaggio di indubbio carisma che con le sue performance canore e sceniche ha fortemente caratterizzato la fase storica della carriera della band capitolina. Con questo nuovo Never Fades Away, sette tracce per nemmeno quindici minuti di durata totale, il quartetto conferma la brillantezza della sua nuova vena, accentuando sulla potenza d’impatto – messa comunque al servizio di strutture articolate ed eclettiche – a parziale danno di certe atmosfere cupe e malate sulle quali puntava in passato. È un suono più “melodico”, quello dei Growing Concern di oggi, ma non per questo meno estremo: sia per quanto riguarda la voce cruda e rabbiosa di Massimo Corona (un tempo bassista) che nei sapienti abbracci di sezione ritmica (Davide Mancini e Gianni Pantaloni) e chitarra abrasiva e lancinante (Andrew Mecoli). E proprio questa coerenza concettuale, unita alle notevoli doti compositive e interpretative dei musicisti e al coraggio da essi dimostrato nel voltare almeno parzialmente pagina, fa sì che all’ensemble sia dovuto quantomeno rispetto; ai numerosi aficionados del miglior hardcore l’invito a non fermarsi lì e a tributare a Never Fades Away le meritate ovazioni.
Tratto da Il Mucchio Selvaggio n.304 del 5 maggio 1998

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Alieni (2014-2017)

Ultimi iscritti nella “punk hall of fame” romana, gli Alieni sono una band molto, molto particolare. Indipendentemente da quanto dureranno, hanno già lasciato una traccia, e non c’è dubbio che, tra gli autentici appassionati del genere, se ne parlerà anche in futuro.

Toy Boy (Rave Up)
Le nuove creature infernali vomitate da Roma hanno un look volutamente esagerato e propongono un punk‘n‘roll “metallico” suonato con durezza granitica e velocità mozzafiato. Lerci, depravati e cattivissimi, gli Alieni picchiano come fabbri e hanno una cantante che sputa testi (in italiano) con tale acidità da rischiarci gola e tonsille. A seconda dei gusti e delle attitudini, la cosa più fantastica o più disgustosa del mondo; facile, per chi mi conosce un minimo, immaginare da che parte io stia.
Tratto da Blow Up n.199 del dicembre 2014

Brucia la città (White Zoo)
A circa due anni dal devastante 45 giri d’esordio Toy Boy, gli Alieni sono tornati con un intero album che li conferma realtà quantomeno inusuale; non circolano infatti molte band dedite a un sound dove punk compatto e veloce, street rock e sfumature hard & heavy si legano a testi – in italiano – che esprimono per lo più malessere, cantati con voce femminile acutissima e ferocissima. Va da sé che la formula non è di quelle che mettono d’accordo tutti, e che anche amando alla follia il r’n’r più brutale e lancinante si possa trovarla troppo fuori dalle righe, ma è innegabile che il quartetto romano trasmetta un’impressione di compattezza e fiducia nel proprio progetto in grado di renderlo autorevole. Curiosità: del singolo è stato riproposto in versione differente solo il retro, e l’unica cover è quella di Confessione, un brano – peraltro già piuttosto grintoso nella versione originale – del gruppo progressive Biglietto per l’Inferno.
Tratto da Blow Up n.226 del marzo 2017

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Avion Travel (1987)

La prematura, improvvisa scomparsa di Fausto Mesolella, avvenuta da pochissimi giorni, mi ha portato a riascoltare qualcosa di suo. Mi è così venuto spontaneo iniziare dalla band con la quale l’avevo scoperto una trentina di anni fa, band che l’aveva accolto da non troppo tempo in organico: erano gli Avion Travel, ancora senza Piccola Orchestra, e questa è la mia recensione – scritta esattamente tre decenni fa – del loro esordio discografico in proprio.

Sorpassando (IRA)
Dei tanti artisti nostrani di area “nuovo rock” che ho avuto l’occasione e il piacere di conoscere non solo dal lato musicale, ben pochi si sono rivelati affabili, gentili e simpatici come gli Avion Travel, sestetto di buontemponi casertani stando al contatto con i quali è assolutamente impossibile non essere di buon umore. Attenzione, però: considerare gli autori di questo Sorpassando sostenitori di un’ironia e un divertissement fatui e privi di sostanza sarebbe davvero un grande errore, giacché loro – al di là del comportamento goliardico e dell’irresistibile sense of humor – interpretano con intelligenza, serietà e professionalità il loro ruolo, tanto da poter essere additati come ideale esempio di coerenza, determinazione e fede nelle proprie idee. Hanno impiegato parecchi anni, gli Avion Travel, a giungere al sospirato debutto adulto, dopo che alcune raccolte (Caserta Compilation, Italia Wiva, Live At The Blue Angel e la recentissima Sanremo Rock) erano servite a farne circolare il nome fra gli addetti ai lavori ma non a garantire una promozione sufficiente per il salto di qualità; c’è voluta, in particolare, l’affermazione sanremese perché tutti (compreso ch scrive) si accorgessero di avere ingiustamente sottovalutato una band dalle notevoli potenzialità, in grado di conciliare tematiche sonore differenti e di conferir loro un aspetto fresco e personale che le rende appetibili a ogni genere di pubblico.
EP 12 pollici registrato già da qualche mese ma immesso sul mercato con ritardo, Sorpassando assolve efficacemente il suo compito di introduzione al gruppo, presentando quattro brani in classico stile Avion Travel: atmosfere jazz/swing, arrangiamenti sofisticati ma mai freddi, dedizione a un pop dinamico e accattivante, innato gusto per la leggerezza, canto in italiano versatile e ricco di pathos. Così, fra ritmi saltellanti e ipnotici, fiati e tastiere che occhieggiano assieme alla chitarra e un canto soffice ma incisivo, l’ensemble fornisce un saggio della sua concezione di rock da intrattenimento passando dalle contorsioni di Jingles (dove paiono affiorare gli Area) alla contagiosa allegria della title track, senza dimenticare le armonie “cool” di Sopra di te e della più vellutata Non suono più. Difficile prevedere dove gli Avion Travel potranno giungere con questa miscela di suoni che abbraccia Joe Jackson, Working Week e Sergio Caputo, rivelandosi ascolto dopo ascolto sempre piacevole, divertente e passibile di interessanti sviluppi; per il mo- mento, però, questo disco è una delle, testimonianze più valide e attendibili di una musica italiana che vuol mantenere la sua “indipendenza” ma che desidera anche uscire da un ghetto poco gratificante e apparentemente privo di sbocchi. Non sono, magari, un gruppo da consigliare ai rockettari più impenitenti, ma non si sa mai…
Tratto da Il Mucchio Selvaggio n.112 del maggio 1987

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Transex (2003-2005)

Autentici outsider del circuito punk romano del decennio scorso, i Transex non erano certo una di quelle band che mettono d’accordo tutti; controversi, insomma, per varie (e valide) ragioni che potrete comprendere proseguendo nella lettura. Inevitabilmente, mi sono occupato di entrambi i loro album in tempo reale.

Transex
(Hangover)
Non bastasse il nome di battaglia, a spiegare con la massima chiarezza quali siano le attitudini dei Transex provvedono un titolo come White Girls Black Cocks e più in generale i testi dei dodici brani di questo loro album d’esordio (tiratura di cinquecento copie numerate, ovviamente solo in vinile), crudi e sboccatissimi esempi di “scorrettezza politica” a più livelli ma con il sesso sempre bene in evidenza. Il gruppo capitolino è infatti appassionato e competente interprete delle più nobili (per così dire) tradizioni del classico punk rock americano “provinciale”, quello che ha nella rozzezza, nella volgarità spettacolarizzata e nel gusto ludico dell’eccesso – verbale e sonoro – le sue armi più efficaci.
Di tali armi, l’ensemble capitolino dà ampio sfoggio in una scaletta che attinge a piene mani nel vastissimo serbatoio del più puro underground a stelle e strisce del periodo a cavallo tra la fine dei ‘70 e i primissimi ‘80: quello, cioè, delle tante formazioni portate da qualche anno alla ribalta da collane di raccolte come Killed By Death e Bloodstains e dalle uscite ufficiali di etichette come la Existential Vacuum e la Rave Up (della quale ultima il cantante dei Transex è, guarda un po’ che coincidenza, il responsabile). Con risultati encomiabili per grinta, qualità compositiva e degenerata sguaiataggine, perché il r’n’r può anche essere solo divertimento sfrenato, oltraggio gratuito e (salutare) disturbo della quiete pubblica. Fuck art & let’s pogo!
Tratto da Il Mucchio Selvaggio n.519 del 4 febbraio 2003

Domino
(Tre Accordi)
Nove brani per circa mezz’ora di durata totale: fosse anche stampato in vinile e non in cd, come il precedente Transex di tre anni fa, saremmo di fronte a una nuova, perfetta operazione-nostalgia, giocata questa volta sul campo di un r’n’r che guarda sia al punk storico che al glam senza rinunciare a certe aperture proto-new wave care a varie band di culto americane degli ultimi ‘70. Meno sudicio rispetto al passato, ma ancor più acido e (sottilmente) perverso, il quartetto romano si è insomma confermato voce fuori dal coro nel contesto della scena punk (non solo) nazionale, recuperando con competenza, genuino trasporto e ispirazione vividissima le più autentiche radici di un genere che a quasi trent’anni di distanza, per chi ha vissuto la primigenia blank generation così come per chi ne ha solo sentito parlare, continua a procurare fremiti, brividi e qualche sana reazione di raccapriccio.
Tratto da Il Mucchio Selvaggio n.617 del dicembre 2005

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Nighters – Klaxon – Stigma

Escludendo gli Uniplux, che per vari motivi (li trovate in quest’altro post) costituiscono un caso a sé, quelli qui presentati sono il terzo, il quarto e il sesto documento a 45 giri del punk romano (il quinto è degli High Circle, ma me ne occuperò altrove), a seguire gli EP di Bloody Riot e Shotgun Solution. All’epoca, naturalmente, scrissi di tutti e tre, anche se dell’ultimo con qualche mese di ritardo.

Nighters
Drop Down Dead
(New Rose)
Terza formazione punk romana a uscire allo scoperto con un 7”EP contenente quattro brani sono i Nighters, capitanati dall’ex Shotgun Solution Robertino, cantante e bassista. Dal punto di vista sonoro, il gruppo si allaccia al più tipico punk rock britannico (primi Clash, Stiff Little Fingers…) e si rivela abilissimo nell’intepretare in modo rapido e trascinante brani assai validi sotto il profilo compositivo, anche se inevitabilmente prevedibili nelle strutture. Drop Down Dead, pubblicato con il marchio di una New Rose che non è quella New Rose lì, è dunque un EP ottimamente realizzato, nel quale i Nighters dimostrano di possedere buone capacità tecniche e un feeling non comune nel proporre un sound potente e compatto; unico difetto, se di difetto si può parlare, è la scarsa originalità delle canzoni, ma il debutto dei quattro romani è ugualmente da considerare molto positivo e appassionante. Dopo Bloody Riot e Shotgun Solution, anche i Nighters ribadiscono la varietà e la validità della scena punk capitolina, negli ultimi tempi in fase di crescita; non esitate, perciò, a procurarvi questo disco, fatto con il cuore oltre che con il cervello.
Tratto da Il Mucchio Selvaggio n.75 dell’aprile 1984

Klaxon
The Kids Today
(Klaxon)
Dopo parecchi contrattempi, anche la punk band romana Klaxon è riuscita finalmente a pubblicare il suo 7”EP, seguendo l’esempio di Bloody Riot, Shotgun Solution e Nighters. Il gruppo, composto da tre elementi, si ispira al punk stile ’77 (alla primi Clash) e alterna il canto in inglese a quello in italiano. Di questo disco fanno parte cinque canzoni dinamiche e abbastanza trascinanti, un po’ datate ma nel loro genere, ben realizzate; colpisce, il particolare, Prisoners, quattro minuti di sonorità coinvolgenti che riportano la mente a un periodo punk sicuramente più “puro” dell’attuale. Nonostante qualche imprecisione tecnica, l’EP si fa ugualmente apprezzare, e sono certo che i numerosi nostalgici di un suono mai dimenticato troveranno la sua relativa grezzezza e il suo feeling “primitivo” assai più stimolante di tante proposte hardcore piatte e insignificanti.
Tratto da Il Mucchio Selvaggio n.78/79 del luglio/agosto 1984

Stigma
Stigma
(Rat Race)
Un altro disco formato sette pollici, con quattro pezzi: a proporlo sono i romani Stigma, una delle band al momento più attive del circuito punk capitolino, dell’organico dei quali fa parte il bassista dei Bloody Riot, Alex Vargiu. Nell’EP, sebbene la registrazione un po’ “amatoriale” pregiudichi (solo parzialmente) il risultato finale, il gruppo si segnala come abile artefice di un punk “caldo” e graffiante, relativamente personale anche se non del tutto maturo sotto il profilo compositivo. Staremo a vedere; nel frattempo, l’inizio è abbastanza incoraggiante.
Tratto da Il Mucchio Selvaggio n.101 del giugno 1986

 

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Taxi (2001-2007)

I Taxi sono la band dalla quale, a seguito della scomparsa del batterista Francesco, sono nati gli oggi popolarissimi Giuda. Al di là dei consensi raccolti dal nuovo gruppo, i ragazzi erano straordinari, una delle migliori realtà punk romane (e italiane) di sempre; per fortuna, a testimoniarne le qualità, rimangono due album e quattro 45 giri, i primi due contenenti anche brani che non sarebbero stati ripresi sugli LP. Di questi dischi scrissi, con grande piacere, al tempo dell’uscita.

Eat Me (Hate)
Alle tradizioni del punk-rock filo-americano più rabbioso e convulso sono legati i Taxi, che nei quattro minuti del loro singolo d’esordio – contenente due brani, Eat Me e My Fingers – mettono in luce una brillante verve compositivo-interpretativa che si spera di vedere presto confermata da un nuovo prodotto discografico. L’incisione del 45 giri dal quartetto, originario dell’hinterland romano, risale infatti al lontano dicembre 1999, e sarebbe proprio un peccato se rimanesse senza seguito. Una piccola gemma, stampata ovviamente in tiratura molto ridotta.
Tratto da Il Mucchio Selvaggio n.440 dell’1 maggio 2001

I’m Dead (Hangover)
Circa un paio d’anni dopo Eat Me, i Taxi ritornano con un nuovo 7 pollici di pregevole fattura, fortemente legato alle radici del ‘77 e influenzato – pur vantando caratteristiche di entrambe – più dalla “scuola” americana che da quella britannica. Nel complesso meno grezzo e selvaggio rispetto alla precedente prova, anche a causa dell’incisione nettamente più curata, il quartetto romano prosegue dunque brillantemente il suo discorso, dedicandosi con freschezza e entusiasmo a un punk-rock già ascoltato infinite volte ma che comunque ci piace definire “classico” piuttosto che “revivalistico”. Secchi, energici e trascinanti, I’m Dead, Je tombe en bas e R & R Is All I Want sono tre ottime ragioni per attendere con una certa impazienza il primo album della band, annunciato entro la primavera per un’etichetta statunitense.
Tratto da Il Mucchio Selvaggio n.519 del 4 febbraio 2003

Like A Dog (Dead Beat)
A seguire due apprezzati 7 pollici, anche per i Taxi è giunta l’ora del cosiddetto esordio adulto, edito sotto forma di album 33 giri – sacro vinile, quindi: che il dio del rock’n’roll ce lo conservi ancora a lungo – da un’agguerrita etichetta di Los Angeles. Registrato circa un anno fa, Like A Dog è l’ideale cartina al tornasole della crescita del quartetto romano, che passo dopo passo ha imparato a convogliare la sua naturale irruenza in brani sempre più elaborati sul piano formale (ma senza che ciò ne soffochi la carica animalesca) e sempre efficacissimi dal punto di vista dell’impatto fisico ed emotivo: undici tracce mai particolarmente veloci nell’esecuzione, ma non per questo povere di compattezza e grinta, che rileggono soprattutto le nobili tradizioni del ‘77 più concreto e meno sotto le luci dei riflettori, quello della provincia americana e della Gran Bretagna extra-Londra.
Una storia da “magnifici perdenti”, insomma, racccontata attraverso dieci episodi autografi e una cover di Rabies Is A Killer della cult-band dei ‘70 Agony Bag (riproposta anche, in tempi abbastanza recenti, dai Death SS: in certi casi, punk e metal non sono poi così lontani) con estrema competenza della materia e con l’approccio sanguigno che occorre per valorizzarla al meglio; e un album di notevole spessore, almeno rispetto ai canoni del genere, che surclassa per energia e freschezza compositiva molta dell’attuale produzione punk d’Oltremanica e d’Oltreoceano. Quanti avevano messo in pensione il caro, vecchio giradischi faranno bene a spolverarlo e a controllare lo stato d’uso della
puntina.
Tratto da Il Mucchio Selvaggio n.532 del 6 maggio 2003

Yu Tolk Tu Mach
(Gonna Puke)
Già titolari di alcuni singoli e di Like A Dog, edito nel 2003 dall’americana Dead Beat, i Taxi giungono al secondo album un po’ cambiati: non feroce punk-rock settantasettino, bensì una formula sempre energica e incisiva nel quale lo stile originario si rivela però ottimamente ibridato con hard e power-pop. Dieci tracce, fra le quali un’oscura cover della cult-band inglese Agony Bag (dopo la “famosa” Rabies Is A Killer del precedente disco) e una sorprendente, brillante Qui est in, qui est out di Serge Gainsbourg, che ardono di vivacità e passione, eseguite in modo secco e compatto e impreziosite dall’eccellente voce di quel Tenda che – provare per credere – è anche uno dei migliori frontman rock italiani di sempre, forte di un’assoluta, travolgente naturalezza nel porsi come “animale da palcoscenico”. Fa bene, il titolo, a invitare al silenzio: meglio alzare il volume e lasciarsi spettinare dalle vibrazioni.
Tratto da Il Mucchio Selvaggio n.635 del giugno 2007

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