Articoli con tag: il grande pop

Primal Scream(adelica)

Oggi il terzo album dei Primal Scream è scolpito nella storia del rock come album epocale, ma nel 1991 – fatto salvo il generale apprezzamento – fu per molti un oggetto misterioso e spiazzante. Non senza sorpresa, ho scoperto – lo so, sembra assurdo, ma l’avevo proprio rimosso – che al tempo avevo dedicato al disco una recensione non lunga – il formato della rivista dove apparve era ridotto – ma inequivocabile, con tanto di voto altissimo (addirittura un 9). La propongo adesso qui, con piacere.

Screamadelica
(Creation)
Qualcuno li ricorderà per Sonic Flower Groove, che nel 1987 aveva proposto per la prima volta sulla lunga distanza dell’album il loro guitar sound aggraziato e avvolgente, forse prevedibile ma certo brillante nelle sue citazioni anni Sessanta; per altri, invece, il nome del quartetto di Bobby Gillespie è legato a Primal Scream, che due anni più tardi suscitò non pochi consensi altemando ballate eteree e incisivi rock’n’roll; la maggioranza, infine, avrà certo impresse nella memoria le note di Loaded, lo stravagante hit-single che in men che non si dica ha proiettato la band britannica dai club underground alle pedane delle discoteche più alla moda. Continua a leggere

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The Last Shadow Puppets

Come sa chi mi conosce bene o almeno ha letto queste cose qui, ho amato moltissimo i Last Shadow Puppets del primo album ed ero comprensibilmente assai curioso di scoprire cosa avrebbero fatto in occasione del secondo. Dopo averlo appurato, ne ho scritto.

Last Shadow Puppets copEverything You’ve Come
To Expect
(Domino)
Sono trascorsi esattamente otto anni da quando, con The Age Of The Understatement, i Last Shadow Puppets estrassero dal cilindro un disco di pop “alto” tra i più ispirati, intensi, avvincenti e ben realizzati degli Anni Zero. La perizia, la classe e l’autorevolezza con le quali Alex Turner e Miles Kane, frontmen rispettivamente di Arctic Monkeys e Rascals, avevano accettato il confronto/sfida con certo immaginario musicale dei Sessanta – sintetizzando al massimo: Scott Walker – raccolsero un unanime, convinto applauso. Continua a leggere

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Rover

Ritorna in Italia un musicista che amo parecchio: domani 9 febbraio sarà al Biko di Milano, mercoledì 10 al Monk di Roma e giovedì 11 all’Hiroshima Mon Amour di Torino. Non posso evitare il recupero della recensione del suo secondo album che scrissi mesi fa per “Blow Up”, con link a quella dell’esordio e all’intervista che feci allo chansonnier francese in occasione di quell’uscita.

Rover copLet It Glow (Cinq7)
Tre anni fa, proprio di questi tempi, l’uscita dell’omonimo album d’esordio di Timothée Régnier – in arte Rover – aveva suscitato discreto scalpore, poi tradottosi in un successo significativo; basti pensare che il disco è stato ristampato in due differenti edizioni estese, la prima con una manciata di bonus track e la seconda attirittura con un ulteriore CD. Del resto, nonostante l’allora trentatreenne francese – che canta, però, in inglese – richiamasse alla mente una serie di esperienze assai note e consolidate, era molto difficile rimanere insensibile al magnetismo di brani ispiratissimi sotto il profilo del songwriting e eccezionalmente efficaci nei loro equilibri di – a grandi linee – mood crepuscolare, solennità e malinconia, sostenuti da una voce in grado di passare con nonchalance dal baritono al falsetto. Continua a leggere

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The Chills

Sono stato felicissimo del ritorno dei Chills, una delle mie band di culto, e sono stato anche felicissimo di riscontrare che, all’estero, il nuovo album Silver Bullets è stato accolto decisamente bene. Per quanto mi riguarda, non ho certo mancato di propagandare le qualità del gruppo neozelandese in questa nostra disastrata provincia dell’impero rock, intervistandone il leader Martin Phillips per “Classic Rock” e scrivendo più di una recensione del disco. Quella che segue è apparsa un paio di mesi fa su “Blow Up”.

Chills copSilver Bullets (Fire)
Una trentina di anni fa, i Chills di Martin Phillipps erano la band di punta della scena fiorita in Nuova Zelanda sotto l’ala di una magnifica etichetta indipendente/alternativa chiamata Flying Nun. All’improvviso, la città universitaria di Dunedin era divenuta l’area d’azione di un paio di decine di gruppi – Verlaines, Sneaky Feelings, Clean e Bats altri da citare obbligatoriamente – dediti a un sound per lo più stralunato e fascinoso in cui rock, psichedelia, folk e pop deviato erano spesso avvolti in echi wave. Nel complesso più melodici e accattivanti dei compagni di cordata, i Chills sembravano poter aspirare a riscontri più ampi, e infatti i due album sponsorizzati dalla Slash – il secondo Submarine Bells e il terzo Soft Bomb, 1990 e 1992 – assaporarano un quasi-successo. Seguirono problemi di ogni genere, con un quarto disco del 1996 pressoché ignorato e il forzato esilio in patria con un’attività episodica e sommersa.
Dopo un processo di riposizionamento passato attraverso il live Somewhere Beautiful (2013), l’irresistibile 45 giri Molten Gold e la raccolta di incisioni radiofoniche The BBC Sessions (entrambi 2014), i Chills ritornano ora sul serio con un quinto album ispiratissimo: nove canzoni e due intermezzi (e di uno, Liquid Situation, viene proprio da chiedersi perché non sia stato sviluppato in esteso) che rinnovano la magia di una musica dalla straordinaria forza evocativa, legata a filo doppio agli anni ’80 ma al contempo fresca e attuale nel suo abbraccio di chitarre, tastiere, ritmi e voce “sospesa” ma incisiva che oltretutto intona testi non banali. Aggraziati e assieme incalzanti, ipnotici e in qualche modo misteriosi oltre che intrisi di malinconia agrodolce, i brani di Silver Bullets sfilano fieri senza cedimenti qualitativi e, anzi, offrendo picchi con America Says Hello, Underwater Wasteland, Pyramid/When The Poor Can Reach The Moon e Molten Gold. Forse Martin Phillipps non comporrà mai una nuova Pink Frost, singolo-capolavoro del 1984, ma di queste gemme collocabili da qualche parte fra Teardrop Explodes e R.E.M. è davvero arduo non innamorarsi. Perdutamente.
Tratto da Blow Up n.209 dell’ottobre 2015

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Mauro Ermanno Giovanardi

Sono da sempre un grande estimatore dell’ex frontman di Carnival Of Fools e La Crus nonché convinto sostenitore del suo progetto in chaive solistica, come dimostra la copertina del Mucchio – legata a questa intervista – che gli volli fortemente dedicare anni fa. È di oggi la notizia che il suo ultimo album Il mio stile si è aggiudicato una meritatissima Targa Tenco – la quarta, per l’artista lombardo: ne aveva già vinte due con i La Crus e una in proprio, ma come interprete – e io non posso esimermi dal proporre qui la mia recensione di cinque mesi fa.

Giovanardi copIl mio stile (Incipit)
Sono molti anni che Mauro Ermanno Giovanardi coltiva un suo personale progetto – o, se preferite, “visione” – legato a un certo immaginario Sixties rivisitato in modo moderno ma non troppo. Un mondo musicale, indirettamente (?) cinematografico e in genere culturale i cui eroi si chiamano Burt Bacharach, Lee Hazlewood, Frank Sinatra, Serge Gainsbourg, Neil Diamond, Scott Walker, Ennio Morricone, Phil Spector; insomma, quello dei gloriosi Festival di Sanremo dove Pop era in maiuscolo, e anche quello del Maestro Leo Ferrè, cui il titolo di questo CD (o vinile) rende omaggio, ispirandosi alla celeberrima Il tuo stile (della quale è proposta una notevole, sensuale cover), con autoironica audacia. Continua a leggere

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Le vent nous portera (Noir Désir)

Uscito nel 2001, Des Visages des Figures fu l’ultimo album dei Noir Désir, a causa della ben nota, drammatica vicenda che due anni dopo portò alla morte di Marie Trintignant per mano del suo fidanzato Bertrand Cantat, frontman della band francese. Questa splendida canzone con Manu Chao ospite alla chitarra, più pop rispetto agli standard del gruppo, fu il singolo apripista del disco, che ottenne un enorme successo internazionale vendendo un milione di copie. Continua a leggere

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Morrissey (live ’12)

I concerti alla Cavea dell‘Auditorium Parco della Musica sono quasi sempre una gioia per gli occhi e le orecchie. Ecco così che dopo quella della settimana scorsa estraggo dall’archivio la recensione di un altro evento live svoltosi nella stupenda cornice di cui sopra, con protagonista l‘ex frontman degli Smiths (con la band scioltasi da oltre un quarto di secolo, ancora viene definito in questo modo), con il quale ho sempre avuto un rapporto un po’ difficile (non a caso di lui non ho scritto molto; c’è comunque qualcosa qui). Ci sarebbe forse stato altro da dire, in termini di dettagli, ma il succo è tutto nelle righe che seguono.

live Morrissey fotoCavea Auditorium
(Roma, 7 luglio 2012)
Concerto molto atteso, quello romano di Morrissey, sei anni dopo l’ormai mitica esibizione del 2006 al Teatro Romano di Ostia Antica. E concerto molto particolare fin da prima dell’inizio, con un paio di centinaia di fan autorizzati ad assieparsi in piedi sotto lo stage – all’Auditorium non è mai consentito se non nei bis, per questioni di sicurezza legate al palco basso e per rispetto nei confronti di chi ha speso tempo e denaro per assicurarsi i posti in prima fila – proprio per volere del bizzoso artista inglese. In questa cornice fattasi sempre più calda, e davanti a una Cavea affollatissima, Steven Patrick da Manchester ha sciorinato per un’ora e mezza tutti i suoi trucchi da raffinato e consumato entertainer, dando l’impressione di star bene e divertirsi ma non fornendo attestati di irrefrenabile entusiasmo: lo prova il fatto che ci sia stato un solo bis, una How Soon Is Now? durante la quale vari spettatori sono saltati sul palco cercando – e talvolta ottenendo – il contatto fisico con il loro idolo. Continua a leggere

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Fabi Silvestri Gazzè

Nell‘ambito della musica italiana di qualità, ma anche di (grande) successo, il sodalizio fra i tre cantautori romani è stato l‘evento dello scorso autunno, per quanto riguarda il disco a sei mani così come il relativo, applauditissimo tour. Difficile che il progetto abbia un futuro continuativo, anche se per il 22 maggio è stata fissata una data, a quanto pare unica, all‘Arena di Verona; nel frattempo, ora che sul trio sono spente le luci dei riflettori, mi fa piacere ricordarlo con quello che scrissi nello scorso settembre.

Fabi Silvestri Gazzè copIl padrone della festa (Columbia)
Niccolò Fabi, Daniele Silvestri e Max Gazzè si conoscono dai tempi dei (più o meno) simultanei esordi, una ventina di anni fa. Sono cresciuti nel giro del nuovo cantautorato romano dei ‘90, sono amici oltre che colleghi e tra le loro carriere esistono infinite interconnessioni, troppe per raccontarle qui. Finora era capitato che collaborassero a due a due ma non in tre, e questo incontro è dunque da salutare come un evento di rilievo: abbiamo del resto a che fare con artisti famosi, che pur giocando nella Serie A della musica tricolore hanno sempre battuto strade alternative al tipico pop di consumo, realizzando album personali e di notevole qualità autoriale. Continua a leggere

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Lloyd Cole

Finalmente ho trovato il tempo di scansionare e convertire in file word un po‘ di materiale anni ‘80, quello scritto con la mia Olivetti prima dell‘avvento dei computer casalinghi. Il mio archivio in digitale parte da circa metà del 1996 (avrei qualche altro anno di pezzi in wordstar e su floppy-disc, ma recuperarli è un casino) e, insomma, sono circa diciassette anni di lavoro che almeno per il 90% non ho ancora riportato alla luce; lentamente ma inesorabilmente lo farò. Rileggo oggi quest‘intervista del 1986 a Lloyd Cole, che oggi è un po‘ (tanto) dimenticato ma che trent‘anni fa era una star, e mi sorprendo di quanto fossi pedante anche con i miei artisti preferiti oltre che quand‘ero solo nella mia stanza davanti ai fogli da riempire. Era però un altro mondo e una maniera diversa di fare giornalismo… un tema, questo, sul quale prima o poi mi toccherà dilungarmi in modo organico.
Cole fotoLa data: 1 febbraio 1986. ll luogo: una Roma che è appena sopravvissuta alla pioggia più torrenziale che l‘abbia colpita da un secolo a questa parte. L‘occasione: intrattenersi a quattr‘occhi con Lloyd Cole, evitando deliranti conferenze-stampa e inutili interviste-lampo. Venticinque anni compiuti il giorno prima, apparentemente schivo ma in realtà cordiale e disponibilissimo, Lloyd Cole non ha proprio l‘aria della rockstar: occhiali da vista con montatura nera di tartaruga, consunto giubbotto jeans e capelli arruffati, sembra più che altro uno studente in libera uscita, con la testa un po‘ fra le nuvole ma con la mente in perenne attività. A incontrarlo per strada non penseresti mai che è proprio lui l’uomo che con Rattlesnakes – il primo album realizzato con i suoi Commotions – ha fatto sperticare in lodi la critica di mezzo mondo, vincendo a mani basse anche il referendum annuale dei nostri collaboratori per il miglior LP del 1984 (sette voti su nove, una quasi~unanimità che non dovrebbe lasciare dubbi sul valore del disco in questione). Il recente Easy Pieces, purtroppo, non ha bissato l‘exploit: un lavoro di produzione un po‘ pesante, qualche artificio “commerciale” di troppo e un‘indecifrabile non so che in alcuni brani hanno impedito che il nuovo capitolo a 33 giri, peraltro ottimo, ottenesse i medesimi favori accordati al suo predecessore; pazienza, direbbe il saggio, sarà per la prossima volta, sempre sperando che il Nostro resti fedele alla sua natura e non si lasci fuorviare dagli insopportabili capricci di un music business che avrebbe bisogno di un nuovo punk in grado di spazzar via il corrente malcostume di mix, remix ed extended-versions che stanno avvelenando il rock‘n‘roll. Continua a leggere

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Per me è importante (Tiromancino)

Un video di una delicatezza e dolcezza più uniche che rare, questo diffuso nell‘autunno 2002 per accompagnare il brano che anticipò In continuo movimento dei Tiromancino. L‘album, primo del post-Riccardo Sinigallia, vendette tantissimo, il singolo salì al n.1 della classifica e il clip fece incetta di premi, Continua a leggere

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La Crus

Questa intervista di quasi sedici anni fa con Mauro Ermanno Giovanardi, al tempo frontman dei La Crus, fu accoppiata a quella con gli Elettrojoyce proposta la settimana scorsa. Le due chiacchierate finirono in un servizio unico intitolato “L‘altra canzone italiana” e i gruppi ebbero, assieme, la copertina del Mucchio. Il secondo recupero mi sembra dunque giusto, e non solo per una questione di par condicio.

La Crus fotoL’altra canzone italiana
Mauro Ermanno Giovanardi, anima e voce dei La Crus, è un veterano della scena nazionale: le sue prime esperienze nell’underground milanese risalgono infatti all’inizio degli ‘80, mentre è dalla fine dello scorso decennio che la sua popolarità si è gradualmente accresciuta grazie alle successive esperienze Carnival Of Fools e, appunto, La Crus, progetto di cui il Nostro è titolare assieme a Cesare Malfatti, chitarrista e alchimista di suoni, e Alex Cremonesi, co-autore di arrangiamenti e parole. Con Mauro, che nel privato utilizza ancora il vecchio pseudonimo Joe, si è discusso soprattutto del recentissimo Dietro la curva del cuore (WEA), ma anche della filosofia generale dei La Crus e della loro progressiva evoluzione attraverso il già ottimo, omonimo esordio e il precedente apprezzatissimo Dentro me.
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Coffee + TV (Blur)

Di questi tempi si parla parecchio di Damon Albarn e allora perché non presentare un video dei Blur? Per compensare, che sia di un pezzo cantato (e scritto) da Graham Coxon, che è pure il co-protagonista – in un ruolo, però, secondario a quello di “Milky” – di questo clip diretto da Hammer & Tongs, delicato e malinconico come il brano che accompagna. Si era nel giugno del 1999 e Coffee + TV fu scelto come secondo singolo estratto dall‘album 13.

Non ho mai disprezzato il concetto di videoclip e, al contrario, ritengo che talvolta questo strumento promozionale arricchisca il brano che accompagna, creando interessanti ibridi. A mio avviso, gli aspetti musicali e visuali andrebbero sempre valutati assieme, come se non si stesse godendo una canzone o un mini-film bensì una terza forma di espressione/comunicazione artistica. Mi fa piacere presentarne qualcuno in cui i due elementi si incontrano in modo particolarmente felice.

1. Anchor (Tu Fawning)
2. Strange Little Girl (Stranglers)
3. The Memory Remains (Metallica)
4. Hurt (Johnny Cash)
5. American Jesus (Bad Religion)
6. Arnold Layne (Pink Floyd)
7. Cupe vampe (C.S.I.)
8. Losing My Religion (R.E.M.)
9. Smells Like Nirvana (Weird Al Yankovich)
10. Boys Don’t Cry (The Cure)
11. I Wanna Go To Marz (John Grant)
12. Jocko Homo (Devo)
13. Gennaio (Diaframma)
14. Black Hole Sun (Soundgarden)
15. New Rose (Damned)
16. The Age Of The Understatement (Last Shadow Puppets)
17. Bonnie And Clyde (Serge Gainsbourg – Brigitte Bardot)
18. Where The Wild Roses Grow (Nick Cave – Kylie Minogue)
19. Dead Leaves And The Dirty Ground (White Stripes)
20. Californication (Red Hot Chili Peppers)

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Where The Wild Roses Grow (Nick Cave – Kylie Minogue)

Suscitò all‘epoca un certo scalpore, il sodalizio – sulla carta improbabile: ad accomunare i protagonisti, solo la nazionalità australiana – fra il serio e tenebroso rocker e la stell(in)a del pop. Pubblicato nell‘ottobre 1995 come singolo apripista dell‘album Murder Ballads (1996), il brano – che racconta una storia di amore e morte – fu scritto da Cave proprio pensando alla collega. Il videoclip diretto da Rocky Schenck, splendido soprattutto nella fotografia, ne sottolinea brillantemente le atmosfere cupe e un po’ morbose, benché non prive di una loro (sinistra) dolcezza.

Non ho mai disprezzato il concetto di videoclip e, al contrario, ritengo che talvolta questo strumento promozionale arricchisca il brano che accompagna, creando interessanti ibridi. A mio avviso, gli aspetti musicali e visuali andrebbero sempre valutati assieme, come se non si stesse godendo una canzone o un mini-film bensì una terza forma di espressione/comunicazione artistica. Mi fa piacere presentarne qualcuno in cui i due elementi si incontrano in modo particolarmente felice.

1. Anchor (Tu Fawning)
2. Strange Little Girl (Stranglers)
3. The Memory Remains (Metallica)
4. Hurt (Johnny Cash)
5. American Jesus (Bad Religion)
6. Arnold Layne (Pink Floyd)
7. Cupe vampe (C.S.I.)
8. Losing My Religion (R.E.M.)
9. Smells Like Nirvana (Weird Al Yankovich)
10. Boys Don’t Cry (The Cure)
11. I Wanna Go To Marz (John Grant)
12. Jocko Homo (Devo)
13. Gennaio (Diaframma)
14. Black Hole Sun (Soundgarden)
15. New Rose (Damned)
16. The Age Of The Understatement (Last Shadow Puppets)
17. Bonnie And Clyde (Serge Gainsbourg – Brigitte Bardot)

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Bonnie And Clyde (Gainsbourg-Bardot)

Nel 1968 i videoclip nel senso moderno del termine ancora non esistevano, ma le compagnie discografiche non disdegnavano di realizzare filmati promozionali per il lancio di nuovi artisti o per canzoni particolarmente significative. Oppure, brani belli e/o importanti venivano sceneggiati e interpretati in popolari trasmissioni TV. È quest‘ultimo il caso della magnifica “Bonnie And Clyde“, con musiche tuttora moderne e testo ricavato da una poesia scritta da Bonnie Parker poco tempo prima che lei e il suo compagno Clyde Barrow, notissimi criminali degli anni Trenta, fossero uccisi dall’FBI. Approntato per il “The Brigitte Bardot Show“ addirittura prima della pubblicazione del pezzo su disco, il video è un piccolo capolavoro, in ogni senso.

Non ho mai disprezzato il concetto di videoclip e, al contrario, ritengo che talvolta questo strumento promozionale arricchisca il brano che accompagna, creando interessanti ibridi. A mio avviso, gli aspetti musicali e visuali andrebbero sempre valutati assieme, come se non si stesse godendo una canzone o un mini-film bensì una terza forma di espressione/comunicazione artistica. Mi fa piacere presentarne qualcuno in cui i due elementi si incontrano in modo particolarmente felice.

1. Anchor (Tu Fawning)
2. Strange Little Girl (Stranglers)
3. The Memory Remains (Metallica)
4. Hurt (Johnny Cash)
5. American Jesus (Bad Religion)
6. Arnold Layne (Pink Floyd)
7. Cupe vampe (C.S.I.)
8. Losing My Religion (R.E.M.)
9. Smells Like Nirvana (Weird Al Yankovich)
10. Boys Don’t Cry (The Cure)
11. I Wanna Go To Marz (John Grant)
12. Jocko Homo (Devo)
13. Gennaio (Diaframma)
14. Black Hole Sun (Soundgarden)
15. New Rose (Damned)
16. The Age Of The Understatement (Last Shadow Puppets)

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The Age Of The Understatement (Last Shadow Puppets)

L’idea è stata del regista: chiunque altro, ascoltando il pezzo, si sarebbe inventato una sceneggiatura melensa e/o barocca, mentre lui ha ideato questo soggetto così cool. In verità avevamo qualche dubbio sulla faccenda dei carri armati, non volevamo rischiare di trasmettere un messaggio che potesse sembrare a favore della guerra, ma ci siamo fidati e crediamo di aver fatto bene. E sai qual è la cosa più buffa? Che a vederlo pensi a una specie di kolossal costosissimo, e invece è stato tutto molto semplice e relativamente economico: non abbiamo dovuto allestire un vero set e per le riprese sono bastati appena due giorni”. Così mi raccontò Alex Turner a proposito di questo splendido clip della title track del primo (e finora unico) album – AD 2008 – del progetto allestito dal frontman degli Arctic Monkeys assieme a Miles Kane (ai tempi nei Rascals). Girato in Russia e diretto dal francese Romain Gavras, il video vanta un fascino davvero particolare, perfettamente in linea con l’imponenza del brano al quale si accompagna.

Non ho mai disprezzato il concetto di videoclip e, al contrario, ritengo che talvolta questo strumento promozionale arricchisca il brano che accompagna, creando interessanti ibridi. A mio avviso, gli aspetti musicali e visuali andrebbero sempre valutati assieme, come se non si stesse godendo una canzone o un mini-film bensì una terza forma di espressione/comunicazione artistica. Mi fa piacere presentarne qualcuno in cui i due elementi si incontrano in modo particolarmente felice.
1. Anchor (Tu Fawning)
2. Strange Little Girl (Stranglers)
3. The Memory Remains (Metallica)
4. Hurt (Johnny Cash)
5. American Jesus (Bad Religion)
6. Arnold Layne (Pink Floyd)
7. Cupe vampe (C.S.I.)
8. Losing My Religion (R.E.M.)
9. Smells Like Nirvana (Weird Al Yankovich)
10. Boys Don’t Cry (The Cure)
11. I Wanna Go To Marz (John Grant)
12. Jocko Homo (Devo)
13. Gennaio (Diaframma)
14. Black Hole Sun (Soundgarden)
15. New Rose (Damned)

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Danger Mouse-Daniele Luppi

In questa settimana, per via dell’Oscar assegnato a Paolo Sorrentino, ovunque si è parlato parecchio di cinema. Pertinente, dunque, recuperare questa recensione, dedicata a un album che non rientra nel novero dei capolavori ma che rimane a mio avviso molto meritevole.

Danger Mouse copRome (EMI)
Pur nella consapevolezza di quanta gente bizzarra circoli per il mondo, è difficile credere che qualcuno possa negare la centralità di Brian Joseph Burton – alias Danger Mouse – nel panorama musicale dell’ultima decina d’anni. Il The Grey Album del quale tanto si discusse quando la Rete era relativamente giovane, il popolarissimo duo Gnarls Barkley allestito con Cee-Lo Green, i bei sodalizi con MF Doom (The Mouse And The Mask), James Mercer (Broken Bells) e Sparklehorse (Dark Night Of The Soul) e il lavoro in console per – fra gli altri – Gorillaz, The Good The Band & The Queen, Black Keys, Beck e U2 provano al di là di ogni ragionevole dubbio come il quasi trentaquattrenne newyorkese – produttore, manipolatore, autore – sia uno dei principali fulcri attorno ai quali ruota quel moderno pop-rock che sa conciliare ricerca e accessibilità, raffinatezza e successo commerciale su vasta scala, amore per il passato e propensione al futuro. Niente male per uno che, alla fine dei ‘90, si esibiva come DJ indossando una maschera da topo perché troppo timido per mostrarsi in pubblico.
Da professionista impegnatissimo quale chiaramente è, nonché da artista abituato a operare dosando amore e perfezionismo, Burton ha avuto bisogno di quasi un lustro per concretizzare in via definitiva l’idea maturata ancor prima a seguito della sintonia instauratasi con il compositore, arrangiatore e orchestratore italiano Daniele Luppi, attivo in America nell’ambito delle colonne sonore ma anche “fiancheggiatore” di star del pop (ad esempio John Legend, Mike Patton e Soulsavers, oltre allo stesso Danger Mouse). Un’idea ambiziosa, legata al comune desiderio di rendere omaggio alla tradizione della grande musica per il cinema creata qui da noi negli anni ‘60 e ‘70, e per di più complessa sul piano logistico, dato che il progetto comportava il trasferimento a Roma per registrare al celebre Forum di Piazza Euclide (studio cofondato da Ennio Morricone), il coinvolgimento di vecchie glorie locali (dal soprano Edda Dell’Orso, che aveva preso parte a Il buono, il brutto e il cattivo, ai Marc 4, fino ai Cantori Moderni di Alessandro Alessandroni) e il non facile reperimento degli strumenti vintage indispensabili per il suono “giusto”, catturato dal vivo su nastro rinunciando a qualsivoglia apparecchiatura elettronica contemporanea. Roma caput mundi, dunque, con l’unica motivo di disappunto – ininfluente per i risultati, ma non per l’aura romantica nella quale si crogiola tutta l’operazione – che Jack White e Norah Jones, i due ospiti speciali ai quali è stato affidato il ruolo di cantanti solisti, non si siano spostati all’ombra del Colosseo ma abbiano inciso le loro parti a Nashville e Los Angeles.
Organizzato come soundtrack anche se il film che dovrebbe accompagnare – un western fra dramma e sentimento, piace ipotizzare – esiste solo nelle menti di Burton e Luppi, cioè con tema introduttivo, canzone di grande impatto per i titoli di coda e interludi strumentali/corali a dividere i vari altri episodi con Norah Jones e Jack White, Rome è concentrato in appena trentacinque minuti di trame morbide e avvolgenti, ora piuttosto eteree, ora pervase di una solennità misurata che non sconfina mai nella grandeur. È un album di chiaroscuri, di suggestioni lievi ma profonde, di visioni che non sempre viene istintivo associare all’immaginario della Città Eterna – del resto, come identificare un solo immaginario in una metropoli con quasi tre millenni di Storia? – ma che non difettano certo di godibilità e di efficacia estetica. Il tutto, comunque, in equilibrio fra rigore filologico e quella sensibilità pop dalla quale Danger Mouse non può prescindere: a scanso di equivoci, non si tratta di un disco per cultori come potrebbe esserlo uno di John Zorn, bensì di un “prodotto” destinato a incuriosire e quindi a far parlare moltissimo di sé a livello mediatico, oltre che a finire nelle playlist di tutte le radio del mondo. Da queste parti, per pieno convincimento e non per timore di prendere una posizione, non ci si arrocca assieme agli snob ma ci si tiene un po’ ai margini della schiera – che sarà molto folta, vedrete! – di quelli che gridano al capolavoro, come probabilmente facevano, perché ammaliati dal “concetto” e dalla sua coolness, prima ancora di ascoltarne una singola nota. Ma che la (nemmeno tanto) strana coppia abbia realizzato qualcosa di sensato, di ottimamente confezionato e di armonioso è impossibile da negare.
Tratto da Il Mucchio Selvaggio n.682 del maggio 2011

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Riccardo Sinigallia

Oggi inizia il Festival di Sanremo, un’edizione alla quale – confermando il trend degli ultimi anni – partecipano parecchi artisti provenienti dal circuito alternativo/indipendente dei quali ho scritto più volte. Eccomi allora a lanciare una serie di recuperi in tema: impossibile, almeno per me, non cominciare da Riccardo Sinigallia, per il quale provo da sempre autentica devozione.

Sinigallia cop 1Riccardo Sinigallia (RCA)
C’è modo e modo di essere protagonisti, e fino all’uscita di questo suo omonimo esordio solistico per la RCA Riccardo Sinigallia aveva scelto quello di tenersi lontano dalle luci dei riflettori: evitando cioè, almeno dopo lo scioglimento di quei 6 suoi ex dei quali a inizio ‘90 era stato il frontman, di esporsi troppo in proprio, riservandosi il ruolo di “spalla” di lusso (Niccolo Fabi, Frankie HI-NRG MC, Filippo Gatti…) ed eminenza grigia di progetti di elevata caratura (da La favola di Adamo ed Eva di Max Gazzè a Medicina buona de La comitiva fino a La descrizione di un attimo dei Tiromancino). Se a rompere il ghiaccio aveva provveduto, poco meno di due anni fa, il brano Io sono Dio incluso nella colonna sonora del film Paz!, a fungere da vero biglietto da visita del produttore-musicista-cantante romano provvedono ora le nove tracce di questo CD, concepito con i due componenti dei Tiromancino fuoriusciuti assieme a lui dalla band a seguire il grande successo del summenzionato La descrizione di un attimo (il chitarrista Francesco Zampaglione e la bassista Laura Arzilli); nulla di che stupirsi, dunque, che lo stile e le atmosfere del disco ricordino quelli del gruppo di provenienza, anche se qui l’elettronica – della quale il Nostro è abile manipolatore – prevalgono ovviamente sulle strutture acustiche che pure contribuiscono pesantemente ai particolari equilibri armonico-creativi della scaletta.
Aggraziati e onirici, ma anche velati di malinconia e inquietudine, i quadretti sonori di Riccardo Sinigallia accostano dunque caldi tappeti di ritmi sintetici, tastiere per lo più fluide ed evocative, altri interventi strumentali di cesello e una voce che tra distacco e passionalità intona – o recita: accade per esempio in Revisione o in Buonanotte, alla fine della quale l’autore curiosamente ringrazia un tot di colleghi-amici dei quali si sente debitore – liriche incentrate su temi personali ma aperte anche a riflessioni di carattere più generale. Un linguaggio che si colloca a metà strada tra la canzone d’autore “alta” e l’entertainment moderno e raffinato, tale più nell’indole che in una forma dalla quale sono banditi eccessi di sofisticazione e di onanismo; e che si rivela, in sintesi, un ennesimo, efficace sviluppo di quell’artigianato pop colto ed elegante, ma non per questo votato agli intellettualismi o improntato allo snobismo, che ha tra i portabandiera quei Fabi, quei Gazzè o quei Tiromancino che in Sinigallia hanno come si diceva trovato un (illuminato) mentore. Logico, quindi, che Riccardo abbia voluto affermare il proprio diritto di applicare, anche correndo il rischio di passare da “copione”, intuizioni espressive delle quali può ragionevolmente ritenersi uno degli inventori. Più strano che, specie dopo un così lungo lavoro di preparazione, lo abbia fatto con un album così succinto (solo nove tracce per quaranta minuti di durata), che offre senza dubbio momenti assai suggestivi – il singolo Bellamore è un gioiellino di leggerezza nient’affatto vuota, così come la più ipnotica e avvolgente Io sono Dio (nelle cui parole, volendo peccare di malizia, si potrebbe leggere un attacco autoironico a vecchi compagni d’avventura), l’introversa e (mutatis mutandis) “battistiana” Ah nella vita o la briosa Solo per te – ma che nel complesso non sorprende e non lascia il segno – a livello concettuale: il cuore è comunque toccato – come forse era lecito attenersi da un artista del suo spessore, della sua sensibilità e della sua esperienza. Pretese esagerate, magari alimentate dall’alone “mitico” che circonda il trentatreenne Re Mida della scena capitolina? Riteniamo di no, e restiamo pertanto in attesa del capolavoro inequivocabile; a scanso di spiacevoli equivoci, ci preme intanto ribadire che Riccardo Sinigallia è un debutto ispirato, intrigante e di gusto, alle cui fortune gioverà di sicuro l’appeal radiofonico di cui è dotato. Ce lo auguriamo sinceramente.
Tratto da Il Mucchio Selvaggio n.552 del 28 ottobre 2003

Sinigallia cop 2Incontri a metà strada (Sony)
Compositore, strumentista eclettico e produttore, nonché sorta di Re Mida di molto del miglior “pop d’autore” romano/italiano degli ultimi dieci anni (c’è il suo magico tocco, ad esempio, dietro gli album più riusciti di Max Gazzè e Tiromancino), Riccardo Sinigallia si è finora imposto come “eminenza grigia” più che in prima persona: colpa di una certa ritrosia caratteriale e di un omonimo esordio da solista che, tre anni orsono, lo aveva immortalato in una veste magari un po’ troppo introversa, peraltro figlia del periodo di disagio personale e professionale seguito al suo distacco dalla band de La descrizione di un attimo e ora superato grazie anche alle gioie della paternità.
A mutare la situazione anche a livello pubblico dovrebbe provvedere questa seconda fatica, più autorevole e convinta nella scrittura (sia musica che testi) e più solare – al di là dell’indole (splendidamente) malinconica e di qualche cupezza che inevitabilmente fa capolino – nelle atmosfere: un viaggio in dieci brani tanto onirici quanto intensi, tanto tendenzialmente semplici quanto ricercati nelle soluzioni di arrangiamento giocate su trame elettroacustiche ed elettroniche, tanto lievi quanto capaci di scavare a fondo, cantati con voce tenue e sempre altamente suggestiva. Pop d’Autore, si diceva, e la definizione continua a sembrare impeccabile… purché sia scritta con le iniziali in maiuscolo e la si pronunci con l’enfasi che merita, visto lo spessore di singoli quali Finora e Amici nel tempo (ve le immaginate le playlist radiofoniche costituite da pezzi di tale classe? Le frequenze sarebbero un paradiso), di una solenne Anni di pace che vede come ospiti Filippo Gatti ed Emidio Clementi, di una Laura e una Impressioni di un’ecografia sorrette da un surplus di interiorità, di una Uscire fuori pervasa da soffici tensioni, di una Il nostro fragile equilibrio che a dispetto del titolo e della leggerezza colpisce per solidità di strutture e forza espressiva. È nata una stella, insomma? No, c’era già. Solo che adesso, finalmente, splende. E di luce propria.
Tratto da Il Mucchio Selvaggio n.624/625 del luglio/agosto 2006

Sinigallia foto

Il Re Mida del “pop d’autore” italiano ritorna sul mercato e dimostra di non aver perso il suo magico tocco: Incontri a metà strada, suo secondo album in proprio, è infatti oro puro. E preziose sono anche le parole del musicista romano, lucide a dispetto dell’afa aberrante di luglio.

Riccardo Sinigallia ha trentasei anni, l’aria da artista bohémien e uno sguardo gentile appena intorvito da un piercing sul sopracciglio destro. Vestito a dovere sarebbe perfetto per il ruolo di un moschettiere di Dumas, anche se lo slogan “tutti per uno, uno per tutti” non sembra (più) confarsi a chi come lui avverte ancora – ma solo se ci pensa – il gusto amaro dei tradimenti subiti da vecchi compagni di avventura. Sono comunque nuvole passeggere, perché il Riccardo che mi accoglie nel suo piccolo ma accogliente “laboratorio” ai piedi della collina di Monte Mario, tra tastiere, macchinari elettronici e sgabelli zebrati, è un uomo ormai in pace con se stesso e i suoi trascorsi professionali, fortificato dalla recentissima paternità – quando nomina il suo Manuel, sul volto gli si legge un’incontenibile gioia – e desideroso di guardare avanti. Sempre che qualche giornalista bastardo non lo costringa a rievocare, ricordandogli le canzoni da lui “inventate” perché altri ne raccogliessero la maggior parte dei frutti. “Il massimo è quando mi si accusa di avere copiato i Tiromancino”, dice con un mezzo sorriso. “Ora quasi mi ci diverto, ma prima era fonte di irritazione e sofferenza. Con Federico (Zampaglione, NdI) non è stato solo un litigio ma una difesa naturale della mia vita, nonché di quelle di Laura Arzilli (compagna del Nostro, NdI) e Francesco Zampaglione. Quando La descrizione di un attimo è esploso, i ‘nostri’ discografici, che fino a quel momento non avevano mai creduto in quello che noi tre avevamo costruito con tanta fatica, si sono presi Federico sotto braccio e lo hanno persuaso che era il nuovo Giacomo Leopardi, invitandolo a non curarsi di noi. Beh, ci si rimane male e il dolore più grande è stato di Laura e Francesco, che erano nel progetto da nove anni. Purtroppo la gloria, più che i soldi, cambiano le percezione delle cose e le prospettive“. Non c’è rabbia, in Riccardo: solo rassegnazione un po’ cinica, confermata dalle parole che seguono. “Se Federico non si fosse comportato come ha fatto, starei ancora dietro ai Tiromancino, fra pro-Tools e tastiere. Oggi sono talmente contento di com’è finita che non posso far altro che esser grato a Federico, a Niccolò Fabi e a Max Gazzè per tutto quello che mi hanno dato durante i nostri scambi artistici e per avermi fatto capire le differenze fra i nostri approcci alla professione di musicista. Ognuno ha scelto la sua strada: avrei da recriminare, dove più dove meno, solo sulle modalità di interruzione di questi rapporti, ma è ok così. Acqua passata”.
Già, acqua passata. Da pochi giorni è infatti nei negozi Incontri a metà strada, secondo capitolo di una discografia solistica che Sinigallia ha inaugurato nel 2003 con un album omonimo decisamente più “scuro”. “Ma è una cupezza più formale che concettuale, anche se è logico che nelle atmosfere l’ultima delusione si senta. Comunque lo vedo tuttora come il disco che avrei voluto fare in quel momento, e pure adesso non riesco a considerarlo legato solo a quello specifico periodo della mia vita. In fondo gli album ai quali ho preso attivamente parte, escludendo gli hit, posseggono tutti quel feeling un po’ introverso: La distanza, Il peggio non è tranquillo o Roma di notte sono molto simili a Io sono dio o Ah nella vita, così come – pensando ai pezzi più solari – Bellamore non è distante da La descrizione di un attimo o Vento d’estate. Con Incontri a metà strada sono uscito dal tunnel e reputo assai improbabile ricadere in vecchi equivoci: quello che è successo l’ho troppo sentito sulla pelle, certe esperienze segnano. Dal punto di vista della ‘condivisione’ del disco con il pubblico, l’episodio-chiave è senz’altro Amici nel tempo, mentre sono particolarmente affezionato – per ovvie ragioni ‘familiari’ – a Laura e Impressioni di un’ecografia. Ma anche quando risento Finora, Una canzone per Fede o Il nostro fragile equilibrio sono contentissimo e quasi non mi pare di averle composte io, per quanto mi suonano bene E questa è una sensazione che spero di riprovare in futuro”. Merito del trasporto emotivo oltre che del talento, ma anche del metodo. “Nei due album a mio nome sono ritornato a una dimensione artigianale: mancando un discografico ‘presente’ come Riccardo Clary, che spingeva – e lo dico in senso positivo – a essere molto attenti alla confezione del prodotto, le cose hanno preso un’altra piega. E poi, onestamente, non mi interessava e non mi interessa più vendere centinaia di migliaia di copie ed essere trasmesso alla radio, preferisco fare canzoni nelle quali, tra vent’anni, potrò rispecchiarmi: finalmente mi sento pienamente responsabile di quello che è venuto fuori, e ne sono appagato“.
Lo guardi negli occhi e capisci che Riccardo non mente, che davvero si è liberato da se stesso. E allora, perché non sfruttare questa sincerità e “costringerlo” ad analisi di tipo psicologico? “Prima con Niccolò e poi – seppure in modo differente – con Max e soprattutto con Federico non ho mai incontrato difficoltà durante il lavoro, che si svolgeva in totale armonia e con tanti stimoli. I problemi arrivavano dopo, quando si manifestavano da un lato la loro frustrazione per non essere completamente titolari di quello che avevamo concepito assieme – perché quei dischi non sono né miei né loro, sono nostri – e dall’altro la mia frustrazione perché quel che avevo fatto non era pienamente riconosciuto. Quando ho visto che questo ‘errore di sistema’ si è ripetuto per ben tre volte, ho dato retta a un mio amico buddista e ho affrontato il mio nodo karmico: ho capito che mi ero riservato un ruolo ‘nascosto’ per poter rivendicare un’insoddisfazione e deresponsabilizzarmi del mio operato, crogiolandomi nel contempo sulla consapevolezza di aver fatto tanto”. Un po’ contorto ma sensato, alla luce dell’indole di Sinigallia. “In ogni disco realizzato con altri o per altri ho messo tutto me stesso, e la mia è stata, anche per via del carattere, una presenza ingombrante. Non conoscevo altri modi di lavorare: scrivendo, suonando e producendo – termine che non amo: pure nella gestione sonora, ho sempre preferito la parte autoriale e creativa – vivo il tutto come mio”. Un percorso cercato, e non trovato, grazie a un impiego all’allora neonata Virgin Italia – seguito all’esperienza come leader dei bizzarri 6 suoi ex – e alla produzione dei primi due album di Niccolò Fabi. “Quando quello stile, poi imitato e devastato da tanti altri, ha avuto successo, molti hanno iniziato a chiamarmi: non ero più il pazzo che urlava ‘pugno in culo’ sui palchi dei centri sociali e io, visti i buoni risultati, mi sono calato nella parte, persuadendomi che forse mi era più congeniale di quella di primattore. Inoltre ritengo di essere sempre stato abbastanza scaltro, cercando di conciliare ricerca e commerciabilità”. E adesso che si trova dall’altro versante della barricata? “Per anni volevo affermare il principio che un equilibrio sonoro di frequenze poteva essere armonico e universale tanto quanto Let It Be. Adesso mi sono reso conto che questa strada è possibile ma che lo è anche l’altra, quella della semplicità e della naturalezza. L’ho imparato studiando pianoforte e ciò si rifletterà nei concerti, dove sarò in prima linea a dividermi – con gli arricchimenti di qualche altro musicista – tra voce, chitarra e piano. È una sfida alla quale non potevo più sottrarmi”. Dimostra grande sicurezza in se stesso, Riccardo. E la stessa sicurezza traspare da un’affermazione che in bocca ad altri suonerebbe tronfia. “Non mi interessano rivincite nei confronti di nessuno, ma per una mia ulteriore serenità mi piacerebbe un qualche tipo di riconoscimento tecnico, formale, per il ruolo che ho avuto nella canzone d’autore italiana. Che si dicesse, in sintesi, che nell’ultimo decennio ho dato un mio contributo all’evoluzione del linguaggio della nostra musica pop”. Considerato che su queste pagine portiamo avanti questa tesi ormai da molti anni, non possiamo che sottoscrivere. Convinti.
Incontri 1992-2006. Riccardo Sinigallia debutta nei 6 suoi ex, gruppo crossover a 360 gradi fondato con David Nerattini e Francesco Zampaglione e titolare dell’album Paola non è un uomo (Emergency 1992). Seguono le produzioni di Niccolò Fabi (Il giardiniere, 1996, e Niccolò Fabi, 1998, entrambi per la Virgin, nei quali co-firma la maggior parte dei brani), la presenza in Quelli che benpensano di Frankie HI-NRG MC (RCA 1997) e ancora per la Virgin La favola di Adamo ed Eva di Max Gazzè, dove è produttore e coautore di Vento d’estate, Cara Valentina e L’amore pensato. Di nuovo assieme a Nerattini e Zampaglione dà quindi vita a La Comitiva, progetto hip pop (un album, Medicina buona, Virgin 1999) che coinvolge Ice One, DJ Stile e ospiti come Elisa, Frankie e Franco Califano, per poi affiancarsi a Federico Zampaglione, Francesco Zampaglione e Laura Arzilli nei Tiromancino de La descrizione di un attimo (Virgin 2000), che lo vede produrre/arrangiare e cofirmare l’intera scaletta. L’esordio solistico è Riccardo Sinigallia (RCA 2003), realizzato con Laura Arzilli e Francesco Zampaglione; il più recente Incontri a metà strada (Sony 2006; in una traccia, Anni di pace, Filippo Gatti ed Emidio Clementi), è coprodotto da Laura Arzilli e dal fratello di Riccardo, Daniele.
Tratto da Il Mucchio Selvaggio n.626 del settembre 2006

Roma, 30 novembre 2006
Nella sua città, davanti a una platea folta e molto partecipe, Riccardo Sinigallia ha finalmente proposto sul palco – amplificandole, ma in senso più emotivo che tecnico – le canzoni di Incontri a metà strada. Una gran bella serata, per circa un’ora e mezza di emozioni tanto semplici quanto rare.

C’è un legame speciale tra Riccardo Sinigallia e la sua Roma, un legame che chiunque sia dotato di sensibilità ha certo avvertito nella tappa ufficiale – dopo l’assaggio acustico di fine settembre – della tournée di supporto all’ultimo album del Nostro, tenuta in un Circolo degli Artisti affollato ma non pieno da scoppiare: un’atmosfera di complicità e di partecipazione generale che ha coinvolto l’intera platea, dai tanti che con il cantautore vantano un rapporto di conoscenza personale a tutti coloro che “si limitano” ad apprezzarne le note e le parole così leggere e sospese eppure così intense, evocative, toccanti. Ha aperto in perfetta solitudine, Riccardo, con una bellissima Finora al piano, lasciandosi poi affiancare dai compagni – il fratello Daniele e Matteo Chiarello alle chitarre, Laura Arzilli al basso, Alessandro Canini alla batteria – per dare il via a una sequenza incentrata sul nuovo lavoro (tanti applausi per la Anni di pace con Filippo Gatti e per una vigorosa e splendida Uscire fuori) ma aperta anche a recuperi dall’omonimo esordio in proprio (La revisione della memoria, Bellamore, Solo per te, Buonanotte), con in aggiunta quella La descrizione di un attimo che Sinigallia sente il più “suo” dei brani cofirmati durante l’avventura nei Tiromancino. Come bis, la recente Il nostro fragile equilibrio e la “vecchia” Lontano da ogni giorno che, una dietro l’altra, hanno evidenziato come il gap tra i due dischi – cupo e sofferto il primo, più estroverso e luminoso il secondo – sia stato superato, e che la totalità del repertorio dell’artista dipinga ora un affresco dove chiaroscuri e malinconie non sono mai soffocati da tenebre e dolore. Belle storie di vita (profondamente) vissuta, melodie affascinanti, versi che sanno arrivare dritti al cuore pur concedendosi qualche vezzo letterario e qualche accenno di ermetismo: è qui, oltre che nell’innato talento e nella capacità di comunicare sensazioni autentiche, il segreto di Riccardo Sinigallia… che alla prova del palco conferma quanto il suo ruolo nella canzone d’autore italiana sia destinato a farsi sempre più centrale. Per fortuna.
Tratto da Il Mucchio Selvaggio n.630 del gennaio 2007

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Morrissey

La notizia di oggi è che Morrissey ha siglato un accordo con la Harvest, storico marchio ora legato alla Universal, per due nuovi dischi. Colgo allora l’occasione per riesumare la mia recensione di uno dei suoi album solistici preferiti, e per confessare, anche se è un po’ il segreto di Pulcinella, che il mio apprezzamento per lui è relativamente recente: negli anni ‘80 amavo varie canzoni degli Smiths ma li detestavo “concettualmente”, cosa che ha anche un po’ frenato la frequentazione della successiva carriera del loro frontman. La rivalutazione, se così si può definirla, dovrebbe essere iniziata proprio con Ringleader Of The Tormentors, complice il fatto che le sue canzoni siano state concepite nella mia città.

Morrissey copRingleader Of The Tormentors (Attack)
A parte i fan terminali, che venerano la loro icona e in perfetta buona fede ne esaltano a priori l’assoluta infallibilità, è opinione comune che la produzione solistica di Steven Patrick Morrissey non regga neppure alla lontana il confronto con quella – anch’essa a ben vedere con qualche limite, ma certo globalmente più ispirata e, per l’epoca, originale – realizzata negli anni ‘80 assieme agli Smiths. A suo nome, l’artista britannico ha infatti confezionato molti dischi di livello medio, non privi di canzoni efficaci e di sicuro non di stile, ma ha fornito poche dimostrazioni inequivocabili di procedere verso una meta – fissata o quantomeno cercata – e non, al contrario, di limitarsi a girare su se stesso rimanendo fermo al punto di partenza, in una sterile e più o meno stanca routine semi-onanistica. Che la situazione fosse comunque aperta a positivi sviluppi era stato dimostrato, nella primavera 2004, dall’ottimo You Are The Quarry, ma per restituire al Nostro un ruolo di primattore nell’affollato proscenio pop-rock odierno serviva qualcosa di più: nuovi stimoli, nuovi confronti, nuove sfide, difficili se non impossibili da trovare se non recidendo il cordone ombelicale con il passato… allo scopo di acquisire differenti input emotivi e culturali e sviluppare con la massima naturalezza un’altra coscienza di sé, da far coesistere – senza abiurare ciò che è stato – con quella preesistente. Lasciatosi alle spalle la Los Angeles per la quale aveva tradito la sua Manchester, il quarantasettenne Morrissey ha così deciso di abbandonarsi, anima e corpo, alle infinite suggestioni di Roma, eleggendola per un po’ a proprio domicilio. E ci piace credere che una mattina, guardandosi in uno specchio che immaginiamo barocco, si sia scoperto più vivace, più determinato, più bello… perché totalmente rapito dagli spunti per lui inediti propostigli dalla città che, forse più di ogni altra al mondo, respira Storia e arte a 360 gradi, con il valore aggiunto di un clima favoloso e del fascino “antropologico” di una popolazione davvero peculiare.
Grazie Roma, dunque, ma Venditti e Totti non c’entrano: grazie alla Città Eterna per aver consentito al Nostro di concepire e realizzare quello che ci sentiamo senza remore di indicare come il suo capolavoro da solista. A renderlo tale basterebbero la perfezione dello spumeggiante singolo You Have Killed Me, le atmosfere avvolgenti e mesmeriche di Dear God Please Help Me (gli archi sono arrangiati da Ennio Morricone), gli arabeschi filo-psichedelici di I Will See You In Far Off Places, l’esplosione di energia di I Just Want To See The Boy Happy, la solennità teatraleggiante – e Kurt Weill, dovunque sia, sorride – di At Last I Am Born, ma i dodici episodi esplodono di riff che si scolpiscono subito nella memoria, di aperture da togliere il fiato, di melodie che trasudano sangue e oro, di ritornelli irresistibili, di trame sofisticate ma mai stucchevoli, in un unicum brillantemente organizzato in studio dal veterano Tony Visconti (un maestro nel danzare sul filo dell’eccesso senza cadere nel kitsch) e reso più prezioso da intensissime liriche dove – proprio come nelle strade di Roma – il sacro abbraccia il profano. Pop all’apice della classe e della forza comunicativa, insomma, con il rock neppure tanto nascosto dietro l’angolo ed espliciti riferimenti alla canzone “classica” di quaranta e cinquant’anni fa (ma pure, perché no?, più antica) a prorompere in un contesto evocativo/visionario dove il velluto e i lustrini non hanno necessariamente l’odore della decadenza e dove dannazione e redenzione sono due facce della stessa medaglia. Dolce Vita e bassifondi. Visconti ma anche Pasolini, citati entrambi assieme ad Anna Magnani nella solita You Have Killed Me – il brano-cardine del lavoro – e presenze più o meno “subliminali” un po’ ovunque, come rimarcato da una Life Is A Pigsty che non può non essere un omaggio a Porcile. E in mezzo lui, Steven Patrick, simbolo non si sa quanto compiaciuto di turbamento esistenziale, per nulla riluttante a esporre le sue fragilità e, anzi, predisposto come un San Sebastiano all’eventuale martirio.
Se in altre circostanze aveva offerto il fianco a legittime critiche e strali velenosi, il Morrissey di Ringleader Of The Tormentors può però raccogliere solo consensi: tutto, nei cinquanta minuti dell’album, parla infatti il linguaggio della fascinazione e dell’incanto, e qualsivoglia osservazione negativa può magari dipendere dalla sensibilità dei singoli ascoltatori – questione di sintonie mancate, quindi – ma non da oggettive criticità di carattere concettuale o estetico. Applausi e petali di rose (dell’Aventino), allora. Assieme al perdono per l’orrore di un “Piazza Cavour” pronunciato in modo da non guastare la rima con “what’s my life for?”.
Tratto da Mucchio Extra n.23 dell’autunno 2006

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